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Wie in den 2010er-Jahren Indie zu Pop – und Pop zu Indie – wurde

Dies ist eine interpretative Übersetzung des Artikels „How Indie Went Pop – and Pop Went Indie – in the 2010s“ von Jayson Greene, zum Portal Heugabel.

Vor zehn Jahren gab es eine Zusammenarbeit zwischen einem Indie-Act und einem Pop-Künstler zu bestaunen. Nun, so ist es.


Im August 2009 besuchten JAY-Z und Beyoncé ein Grizzly Bear-Konzert in Williamsburg, Brooklyn. Solange nahm sie mit, um die Indie-Rock-Band zu sehen, deren drittes Album Veckatimest, das im Frühjahr erschien, seinen Sound laut genug dröhnte, um ihn bis in den Außenbereich zu tragen. Verblüffte und verwirrte Zuschauer filmten heimlich das Superstar-Paar, während es plauderte und die Menge beiläufig beobachtete. Jay schüttelte leicht den Kopf, wedelte mit der Hand hin und her und trank einen Schluck Bier.

Bald tauchte JAY-Z – verwirrt, aber fasziniert – bei Rockshows aller Art auf. Hier trägt er den Hut eines Zugbegleiters und versucht, sein Handy zu ignorieren, das ihm ins Gesicht gehalten wurde, als er sich 2010 einen Coachella-Auftritt des Dream-Pop-Duos Baltimore Beach House ansah. Und hier ist er wieder, vielleicht am berühmtesten, mit seiner Brille und schaut als hätte er bei einem Coldplay-Konzert seine Schlüssel verloren. Mit der typischen Überbegeisterung eines älteren Menschen, der von einem jüngeren Menschen einer neuen Band vorgestellt wird, schwärmte Jay öffentlich und ausführlich: „Was die Indie-Rock-Bewegung jetzt macht, ist sehr inspirierend“, erklärte er Ich hoffte aufrichtig, dass Gruppen wie Grizzly Bear und Dirty Projectors Rapper „unter Druck setzen“, „bessere Musik zu machen“.

Jays intensives und plötzliches Interesse am Indie-Rock war kein Einzelfall; Es geschah etwas Größeres und die frühen 2010er Jahre waren voller seltsamer Gerüchte. Shakira coverte „Islands“ des introvertierten britischen Trios The xx's beim großen Glastonbury Festival im Vereinigten Königreich. Die aufstrebenden Stars The Weeknd und Kendrick Lamar probierten Beach House, der wiederum im Konzert Gucci Mane coverte. Im Jahr 2015 arbeiteten eine Handvoll inspirierender Indie-Namen, darunter Justin Vernon von Bon Iver und David Longstreth, Frontmann von Dirty Projectors, mit Kanye West zusammen.

Keines dieser Szenarien wäre für die Indie-Rock-Bands früherer Generationen vorstellbar gewesen. Von allen Umwälzungen in der Musik der letzten zehn Jahre war vielleicht keiner umfassender oder dauerhafter als die völlige Auflösung der Grenzen rund um die „Indie-Musik“. Die finanziellen und ideologischen Barrieren, die diese beiden Wörter trennten, begannen Stein für Stein zu bröckeln.

Wo einst eine überwachte Grenze war, herrschte nun ein ständiger Strom: Pater John Misty schrieb Lieder mit Lady Gaga; Caroline Polachek von der Synth-Pop-Gruppe Chairlift war Co-Autorin von Beyoncés Track „No Angel“ aus dem Jahr 2014; Alex G, der in einer anderen Ära seine Karriere damit verbracht hätte, süße Lo-Fi-Songs auf kleinen Independent-Labels zu veröffentlichen, spielte Gitarre für Frank Ocean; James Blake arbeitete mit Travis Scott zusammen; Ezra Koenig von Vampire Weekend war Co-Autor von Beyoncés „Hold Up“ und entlehnte dabei eine Zeile aus „Maps“ der Yeah Yeah Yeahs, einem Standard-Indie-Song der 2000er Jahre, der nie eine Verbindung zu Bey hatte.

Wie die meisten Momente des Übergangs schien diese frenetische Mischung alle möglichen revolutionären Perspektiven anzukündigen, bevor sie sich schließlich auf komplizierte und manchmal enttäuschende Weise offenbarte. Wie so viele andere Geschichten in diesem Jahrzehnt ist auch die Geschichte, wie Indie-Musik zu Pop wurde, zu gleichen Teilen eine durchdachte Konsolidierung seitens der Plattenfirmen und ein echter ästhetischer Wandel auf der Grundlage dessen, was Musik sein würde. Mainstream: In den späten 2010er Jahren atmeten einige glückliche Künstler verdünnte Luft, während fast alle anderen mit knappen Budgets kämpften und darum kämpften, Karriere zu machen.

Das Szenario für die Verlagerung von Indie hin zu Mainstream Es wurde durch den Zusammenbruch der Branche in den 2000er Jahren ins Leben gerufen, der durch einen katastrophalen Übergang zur Digitalisierung ausgelöst wurde. Zu Beginn des neuen Jahrzehnts begann dieser Zusammenbruch einem freien Fall zu ähneln, und 2011 waren die Verkaufszahlen so schlecht, dass Alben regelmäßig Rekorde brachen und die Spitze der Charts erreichten, wobei die wenigsten Einheiten jemals in der Musikgeschichte verkauft wurden. Musik.

Aber die Krise eines Künstlers ist oft eine Chance für einen anderen, was bedeutet, dass dies auch die Jahre waren, in denen Alben von Vampire Weekend (Contra), Arcade Fire (The Suburbs) und sogar der Portland-Literaturgruppe Decemberists (treffend The King Is Dead genannt) die Top 1 erreichten 2011 gewann Arcade Fire einen Grammy für das Album des Jahres, was zum Meme „Who the hell is Arcade Fire?“ führte. (Das Gleiche passierte Bon Iver ein Jahr später.)

Damals herrschte eine gewisse „Alles ist möglich“-Panik, und das Chaos hatte einige positive Auswirkungen, darunter die Tatsache, dass die Leute zwischen Indie und anderen wechselten Mainstream mit so viel Heftigkeit, dass es nicht mehr nötig war, so zu tun, als ob sie Partei für irgendeine Musikrichtung ergriffen hätten. Zu Beginn des Jahrzehnts gestand Grimes als Musiker seine Liebe zu Mariah Carey und Justin Bieber unter Tage Es war beunruhigend, deine Liebe zu Mariah Carey und Justin Bieber zu gestehen. Als Grimes 2013 auf der Boiler Room-Party mit einem Set auflegte, das Lieder der peppigen Dance-Pop-Band Vengaboys und des Reggaeton-Stars Daddy Yankee enthielt, war die Online-Reaktion schrecklich. Grimes hielt es für notwendig, öffentlich zu antworten und klarzustellen, dass ihr diese Lieder gefielen.

Grimes beschäftigte sich in ihren Performances und Musikvideos auf eine Weise mit der Ikonographie, wie es nur wenige unabhängige Künstler der 2000er Jahre getan hätten – von ihrer Linie der „Vagina-Ringe“ bis zu ihrem selbst gedrehten Video zum Song „Genesis“, der davon inspiriert wurde Eine bemalte Kirche aus dem 16. Jahrhundert mit brennenden Schwertern, einem Streitkolben (mittelalterliche Waffe) und der Rap-Ikone/Tumblr-Performance-Künstlerin Brooke Candy. Grimes verwandelte ihr Bild in das eines Stars. Um 2013 unterzeichnete sie einen Managementvertrag mit Roc Nation von JAY-Z, behielt die Aufnahme ihrer Musik jedoch in den Händen des unabhängigen Labels 4AD, das Cocteau Twins auflöste. Vor Grimes war eine solche geteilte Loyalität nahezu unbekannt.

Ein anderer Künstler, der uns zeigte, wie die sich auflösenden Grenzen von Indie in der Praxis aussehen würden, war Justin Vernon von Bon Iver. Er begann als Personifikation des Rustic Hipster (typischer Hipster-Stil): Bärte, Flanellhemden, männlicher Ekel, Abgeschiedenheit. Er war ohne Zweifel ein Folk-Künstler, der im Komfort seines kleinen Plattenlabels nur mit seinem Falsett und der zugeschlagenen Gitarre Musik machte. Er war etwas, das wir schon einmal gesehen hatten, und dann wurde er schnell zu etwas, das wir noch nie zuvor gesehen hatten.

Im Jahr 2010 wurde Vernon während der Aufnahmesitzungen für My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Kanyes fünftes Studioalbum) zu Kanye Wests Anwesen auf Hawaii eingeladen. Am Ende nahm er den Gesang für mindestens zehn Songs auf, beklagte sich darüber, dass Gott über „Monster“ entscheiden ließ, und sang engelhaft bei „Lost in the World“, einem Sample eines Bon-Iver-Songs aus dem Jahr 2009. „Ich war buchstäblich im Hinterzimmer.“ rollte ein Joint mit Rick Ross, bei dem wir darüber reden, was im nächsten Teil eines Songs zu tun ist. Es war überraschend“, staunte Vernon in diesem Sommer.

Bewundernswerterweise gelang es Vernon, die Chancen, die diese Sichtbarkeit mit sich brachte, zu maximieren, ohne seine Wurzeln aus den Augen zu verlieren. Er startete ein Musikfestival in seiner Heimatstadt und startete einen maßgeschneiderten Streaming-Dienst. Er wurde Partner in einem Boutique-Hotel. Er stellte den kreativen Ruf eines seiner Lieblingskünstler, Bruce Hornsby, wieder her und lud ihn zur Zusammenarbeit auf der Bühne und im Studio ein. Dies waren CEO-Wechsel, Wechsel des Kreativdirektors, die in keinem Verhältnis zu den bescheidenen Indie-Karrieren der Vergangenheit standen. Zu diesem Zeitpunkt war der gewünschte Endpunkt für den Erfolg der Crossover Indie fühlte sich an wie etwas wie „Built to Spill“ oder „Flaming Lips“ – ein gemütlicher Deal mit einem Major-Label, der einem etwas mehr Geld zum Leben und die Freiheit geben würde, seine Platten aufzunehmen und sich dann in Ruhe zu lassen. In den 2010er Jahren verschwanden diese Einschränkungen.



Die weit verbreitete Instabilität in der Branche hat auch dazu geführt, dass der Verkehr über Musikgenre-Grenzen hinweg in die entgegengesetzte Richtung verläuft, nämlich zu Künstlern Mainstream Betreten des Indie-Bereichs. Die 2010er Jahre waren ein außergewöhnlich gutes Jahrzehnt für ausgefallene Popkünstler, die die großen Plattenfirmen nicht zu vermarkten wussten. In den vergangenen Jahrzehnten bedeutete es das Fegefeuer, von Ihrem großen Plattenlabel ignoriert zu werden – wenn Sie Glück hatten, würde VH1 vielleicht eine spezielle Untersuchung durchführen, um zu sehen, ob Sie noch existierten, oder a Reality-Show würde dazu führen, dass du mit Andy Dick in einem Haus lebst. Aber in diesem Jahrzehnt, als sich die Obergrenze für Indie-Karrieren öffnete und die Untergrenze für Pop-Karrieren fiel, zeichnete sich ein geheimer Weg zum Erfolg ab und eine Handvoll Künstler, die das Jahrzehnt prägten, untersuchten die Möglichkeiten, die sich dort boten.

Sky Ferreira war einer von ihnen. Sie ertrug den qualvollen Einstieg in die Musikindustrie, der für jugendliche Pop-Opfer üblich ist; Im Alter von 15 Jahren unterschrieb sie bei Capitol Records und versuchte, ein paar Singles zu komponieren, die es nicht in die Charts schafften, und ihr Album wurde prompt zurückgestellt. Zu jedem anderen Zeitpunkt wäre sie wahrscheinlich in Vergessenheit geraten und wie der vielversprechende Teenager-Star der 2000er Jahre, JoJo, gestorben, dessen Probleme mit dem Plattenlabel so schlimm wurden, dass sich ihre Karriere nie mehr erholte.

Stattdessen veröffentlichte Sky eine EP mit einer Single namens „Everything Is Embarrassing“, die alle Möglichkeiten zu vereinen schien, die für den unwahrscheinlichen Moment des Indie-Pop charakteristisch sind: Produziert und geschrieben mit Dev Hynes von Blood Orange, war es ein tanzähnlicher Song. sprudelnd Pop, der sich zu persönlich und schüchtern anfühlte, um ein „richtiger“ Dance-Pop-Hit zu sein – der Text war voller Angst und der Refrain drehte sich um ein Geständnis: „Wenn du es versuchen würdest, würde ich mich vielleicht nicht darum kümmern.“ Es war die Art von Musik, zu der man getanzt hat, als man sicher war, dass niemand sonst mit einem tanzen würde. „Everything Is Embarrassing“ war so gut, dass es darauf hindeutete, dass viele weitere Songs möglich wären, und half dabei, den Entwurf für ein Jahrzehnt Pop zu schreiben niedergeschlagen und emotional komplex.

Nach einigen fesselnden Chart-Hits hätten die Plattenfirmen des alles fressenden Singer-Songwriters Charli früher erbleichen können. Sie hatte selbst große Hits („Boom Clap“) und schrieb diese für andere („I Love It“ von Icona Pop, „Fancy“ von Iggy Azalea). Sie hat auch ätzend seltsame Songs wie „Track 10“ gemacht, die sich anfühlen, als würden sie sich direkt vor den Augen auffressen. Charlis Lieder haben ihren eigenen herrlich trüben Spaß, voller Hitze des Sex, dem Rausch der Leidenschaft und den nervösen Zuckungen eines individuellen menschlichen Bewusstseins. Sie war die beste Kulisse für die Explosion der alten Grenzen von Pop und Indie; Wenn sie mit der Avantgarde-Popproduzentin SOPHIE zusammenarbeitet oder im Musikvideo zu ihrer Single „Gone“ im Regen und bei Lichtern rockt, ist sie eine glückselige Vision von Freiheit.

Charli und Sky waren Zwillingsfiguren einer kleinen, aber blühenden Szene mit eigenen großen Namen und eigenen Produzenten hinter den Kulissen, Leuten wie Ariel Rechtshaid und Dev Hynes, die die befreiende Kraft des Pop-Songwritings liebten. Robyn, die den Teenie-Pop-Boom der 90er und 2000er Jahre überlebte, hat sich zu einer Art Schutzpatronin der Szene entwickelt. Im Jahr 2005 verließ sie ihr Plattenlabel Jive, um Konichiwa Records zu gründen und der ungezügelten Kreativität nachzugehen, nach der sie sich sehnte. Sie begann schnell, tanzbare, introspektive Singles wie „Dancing on My Own“ und „Call Your Girlfriend“ zu veröffentlichen, die normalerweise in die Anonymität gezerrt worden wären, die für die breite Rotation von Künstlern zum Starruhm erforderlich gewesen wäre, aber stattdessen explodierten die Songs. , teilweise danke auf die Präsenz dieser Lieder in wichtigen Fernsehsendungen, wie etwa der Serie „Girls“.

Rückblickend waren diese Robyn-Songs eindeutig von zentraler Bedeutung: Ohne sie ist es schwer, sich Charli oder Sky oder Carly Rae Jepsen vorzustellen, die sich von der Allgegenwärtigkeit von „Call Me Maybe“ entfernte und Hynes als Co-Coach engagierte - Schreiben von Balladen wie Prince und Rostam Batmanglij von Vampire Weekend bis hin zum Schreiben von Midtempo-Elektropop-Songs.

Alle diese Künstler schienen eine Zukunft zu versprechen, in der „Indie“ etwas Flüchtigeres sein würde – es wäre eine Einstellung, ein Eau de Cologne oder ein Parfüm, das Pop-Karrieren etwas von der lebendigen Energie verleihen würde, die die alten Karrieren bei großen Labels nicht taten erlauben. Stadiontourneen sind vielleicht nicht dabei, aber es gäbe sicherlich Markenpartnerschaften und Werbegelder, um die Sache am Laufen zu halten, und die Musik könnte sich in jede seltsame Richtung drehen, die ihre Schöpfer wollten.

Es lohnt sich jedoch zu bedenken, was bei diesem gesamten Übergang verloren ging. Was bedeutet es, wenn unabhängige Künstler offen nach Popstars streben?

Nehmen wir George Lewis Jr., einen kantigen Kerl aus Los Angeles, der zu Beginn des Jahrzehnts beim Plattenlabel 4AD mit einer kleinen Synth-Pop-Platte namens Forget unter dem Namen Twin Shadow einen Hit hatte. Mit seinem Song „Confess“ aus dem Jahr 2012 feierte Lewis ehrgeizige Erfolge und bereitete sich mit all den dröhnenden Drumcomputern und Lederjacken-Coveraufnahmen, die das mit sich brachte, auf den Status eines Popstars vor. Er versuchte, sich als Auftragnehmer hinter den Kulissen der Popmusik neu zu erfinden, indem er Material an Chris Brown schickte und einen Refrain für einen Eminem-Song schrieb.

Als Lewis tatsächlich versuchte, ein großes Pop-Album zu machen, schuf er 2015 „Eclipse“, eine Sammlung von Songs, die zu lächerlich sind, um ernst genommen zu werden, und nicht eingängig genug, um jeden Zweifel daran zu zerstreuen, dass sie schlecht seien. „Ich hasse es, wenn Leute, die sich definitiv in der Indie-Welt bewegen, sich als Popstars ausgeben, obwohl ihnen der Ehrgeiz, die Übung und das Können von jemandem fehlen, der in Sachen Pop an der Spitze seines eigenen Genres steht“, schimpfte er bei der Veröffentlichung des Albums.

Sein Zitat ist bezeichnend: die glühende Bewunderung für die Kunst des Pop-Songwritings, die einst ein Greuel für kleine Indie-Künstler war, die sich dem Fremden, dem Heimeligen, dem Amateur hingeben wollten. Jetzt galt es, den Popstar zu spielen, und der Song, der sich am weitesten und schnellsten verbreitete, wurde unter dem Namen einer Person geschrieben, selbst wenn im Abspann des Songwritings Dutzende anderer Namen versteckt waren. Unabhängige Künstler wurden, wie die Popstars vor ihnen, zu Unternehmen, nicht zu Genossenschaften.

Dutzende Faktoren trugen zum Wandel vom Kollektiven zum Singulären bei: zum Beispiel das Aufkommen der sozialen Medien mit ihren Einzelprofilen und der „Stimme“ der persönlichen Marke. Die Technologie, die immer mehr Aufgaben ermöglichte, ohne dass andere Menschen sie erledigen mussten, ging einher mit der zunehmenden Ungleichheit in amerikanischen Städten, wo steigende Mieten und Wohnkosten Dinge wie Übungsräume und Wohngemeinschaften finanziell untragbar machten. Der immer stärker werdende Einfluss des Hip-Hop, mit Schwerpunkt auf dem Einzelnen. Und natürlich, warum nicht – der anhaltende Mangel an Reue in der westlichen kapitalistischen Gesellschaft, die die Verbindungen zu anderen abbricht und uns dazu zwingt, angesichts unserer Erfolge und Misserfolge mehr oder weniger allein zu sein.

Aber die Auswirkungen waren klar: Im Laufe des Jahrzehnts richteten Indie-Rock-Bands ihre Musik auf ihre Gemeinden und machten sie erneut zu lokalen Aktivisten. „Was ist mit all den Bands passiert?“ fragte Rostam Batmanglij im Jahr 2016, ein paar Wochen bevor er sich offiziell von Vampire Weekend trennte, um seine eigene Karriere als Solokünstler und Popstar-Kollaborateur zu verfolgen. „Sind die Bands jetzt kitschig?“



Ein weiterer wichtiger Faktor für das Verschwinden der Grenzen zwischen Indie und Pop war die Streaming. In den letzten 10 Jahren hat sich das Musikhören völlig und endgültig von der Erde entfernt. Aufgenommene Musik materialisiert sich einfach um uns herum, wann immer wir sie brauchen. Zumindest als Verbrauchererlebnis ist es heute so nah am Gefühl der Telepathie – denken Sie an Musik, irgendeine Musik, lassen Sie sie in der Luft um Sie herum erscheinen – wie immer. Die Technologie verwandelt ständig unerwartete Dinge in eintönige Alltagsrealität, und in 10 Jahren gibt es Beobachtungen über die Neuheit von Streaming wird so frisch klingen wie die alten Klagen über das Ende des Walkman. Aber jetzt lernen wir, was mit Musik passiert, wenn sie beginnt, in Echtzeit auf die Vorgaben unbewusster Gedanken zu reagieren.

Ihrem Unterbewusstsein scheint es egal zu sein, unter welchem Label ein Musikstück veröffentlicht wird. Auch die künstlerische Ethik dahinter ist ihr egal. Das bedeutet, dass die Künstler, die am meisten Spaß an diesem neuen haben SpielplatzZumindest in kreativer Hinsicht sind es Leute wie Charli und Vernon, die das Beste aus den Möglichkeiten der Zusammenarbeit machen und niemanden, der zuhört, dazu auffordern, Unterscheidungen darüber zu treffen, woher ihre Einflüsse kommen. Das mag für eine überwiegend dystopische Zeit erschreckend utopisch klingen, aber wenn es etwas gibt, was wir von Popmusik immer noch wollen, auch wenn die Texte abgeschlachtet sind, dann ist es ein Gefühl der Möglichkeit, von unendlichen Horizonten.

Wie bei jeder Hektik, die mit der Veränderung von Grenzen einhergeht, ließ die Aufregung langsam nach und wich dem vertrauten Murren: Das ist nicht das, was mir versprochen wurde, das ist nicht so, wie ich es mir vorgestellt habe, der Traum ist vorbei. Im Jahr 2017, nachdem er Songs mit Beyoncé geschrieben hatte und Lady GagaPater John Misty hielt die magischen Bohnen in der Hand, von denen er glaubte, sie würden ihn in den Himmel bringen, und beklagte sich: „Lassen Sie es mich Ihnen sagen, als jemand, der eine groteske Reise in dieser Welt unternommen hat – denn auch ich war mein ganzes Leben lang dieser Musik ausgesetzt Ich wollte nur aus morbider Neugier wissen, wie die Wurst hergestellt wurde – es gibt nichts, was das Publikum in diesem verdammten Song nicht vollständig getestet und berechnet hätte.“ Er ging zum Tisch, aß Pops Essen und kam zurück, um uns zu sagen, dass es verdorben sei.

Seine anschließende Rede besagte, dass die großen Plattenstars gefangene Menschen seien, die um Hilfe riefen, dass das Pop-Konzernsystem im Kern korrupt sei und auf einer Kultur der Ausbeutung und des Profits aufgebaut sei und dass die grundlegende Wahrheit darin bestehe, dass Menschen nicht schreiben ihre eigenen Songs – es könnte aus dem Mund von Steve Albini stammen, dem Indie-Geizhals der Alternative-Rock-Ära der 90er Jahre. „Ich glaube nicht an dieses System, daher habe ich keine bockige Lust, damit zu spielen oder mich zu verärgern „Siehe“, fügte Misty hinzu und wusch sich fast von der Popwelt los.

Der Vollzug der Scheidung erwies sich jedoch als kompliziert. Schon bald tauchte Mistys richtiger Name, Josh Tillman, im Abspann eines weiteren großen Stars auf: im Song „Myself“ von Post Malone. In dem Song krächzt der agnostische Dirty-Pop-Autor mit Gesichtstätowierungen: „Dieser ganze amerikanische Traum / Jeder hat es satt zu glauben / Oh, lasst uns scheißegal sein, bis / Sich nicht darum zu kümmern ist bedeutungslos mehr.“ Postys Beitrag ist eine reine Instagram-Bildunterschrift, aber die Stimmung – oberflächlich, bissig, selbstzerstörerisch, lustig – ist zu 100 Prozent Misty. Vielleicht sind diese Texte das Geräusch von Tillman, der aus dem Inneren der Maschine heraus seine Faust schüttelt. Oder vielleicht ist es etwas Komplizierteres. Vielleicht klingt das Post-Indie-Leben so – ein bisschen flexibel und ein bisschen rebellisch; Kritik und Kapitulation zugleich.

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