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Die Humanisierung der internationalen Popmusik

Plastik im Ozean der Musik: Manche sagen, internationale Popmusik sei plastisch und eintönig. Auch wenn wir aufgrund der vielen Grenzen, die sich in den letzten Jahren zwischen den Musikgenres gezogen haben, nicht mehr klar definieren können, was Popmusik ist und was nicht, berücksichtigen viele dieser Kritikpunkte nicht die Intentionalität in der Schöpfung – die Zweck – sei es durch den Künstler oder durch die Strukturen, die seinen Ruhm steigern.

Roboterstimmen, verzerrte Instrumente kombiniert mit organischeren Klängen, Refrains mit Strukturen, die sich wiederholen und ein scheinbar bekanntes Territorium aufbauen – das Klischee der Pop-Dance-Musik. Ein gutes Stück vom Kuchen dieses Genres schwimmt seit Jahren darin, aber wir haben Künstler gesehen, die versuchen, inmitten von Synthesizern (oder außerhalb von ihnen) an einer Form der Humanisierung zu arbeiten. vor allem nach der Kollision der Pop- und Indie-Universen.

Um dies etwas klarer zu machen: Wenn ich davon spreche, die Musik zu humanisieren oder sie organischer/authentischer zu gestalten, beziehe ich mich auf Instrumente, Texte, Eingabe-Timing und andere Elemente, die ich in diesem Artikel besprechen werde. Komm mit mir!

DIY-Musik – Do It Yourself

Ich beginne damit, dass es keine Perfektion gibt. Selbst der am besten ausgebildete Künstler der Welt macht Fehler: eine schlecht gespielte Note, eine Stimme, die den Bass nicht unterstützt oder eine schlecht projizierte hohe Note ausgibt, ein leicht verspäteter Beat, ein früher oder später Einstieg in den Song .

Irren ist menschlich, heißt es so schön. Und wenn diese „Fehler“ unter Kontrolle gebracht werden, haben wir die Auffassung, dass derjenige, der singt oder spielt, kein perfekter und unerreichbarer Mensch ist – ein Ruhmesmodell, das Hollywood-Studios geschaffen haben und das sogar in der Musik fortbesteht. Sie ist einfach ein Mensch. Menschen wie du und ich. Und sie lebt von dem Gefühl, das sie vermitteln möchte, von der Wahrheit, von der Aufrichtigkeit ihrer eigenen Fähigkeiten und von der Weisheit, ihre Fehler zu akzeptieren, ohne die Beste sein zu wollen, sondern mit dem Wunsch, sich selbst herauszufordern, um besser zu werden.

Wenn sich ein Pop-Künstler einen solchen Weg zulässt, ist die Identifikation sofort gegeben. Die DIY-Philosophie in der Musik – wie sie in der Indie-Welt üblich ist – erweckt den Eindruck, dass dort wenig getan wurde, gerade genug, um dem Gefühl freien Lauf zu lassen.

Deshalb haben wir so viele Künstler gesehen, die sich damit beschäftigt haben Land Es ist Volk in den letzten Jahren, Trend hin oder her: Lady Gaga mit ihrem Album „Joanne“, Miley Cyrus, die mit „Younger Now“ zu ihren Ursprüngen zurückkehrt; Taylor Swift mit „Folklore“, Halsey mit „Manic“ und so weiter. Was uns auf diesen Alben gemeinsam ist, ist der entfernte Klang der Synthesizer und die Stimmen, die sich so fließen lassen, wie sie sind.

Ich kann Beyoncé zur Liste oben hinzufügen (wer hat schon einmal gehört „Papa-Unterricht“, aus dem Album „Lemonade“?). Und ich gehe tiefer darauf ein: So unglaublich talentiert Beyoncé auch ist, in den Songs seit „Beyoncé“ scheint es ihr nicht so sehr darum zu gehen, den Puls der Musik jederzeit unter Kontrolle zu halten, sondern ihre Stimme zuzulassen alle bestehenden Zeit- und Sprachkonventionen nähen und durchbrechen.

Das ist die Art von Musik, die wie eine gute Produktion oder Heimaufnahme klingt, ohne große Produzenten oder so viele Hände, aber erstaunlicherweise: Allein „Lemonade“ wurde von 23 großen Namen der Musikindustrie produziert; „Beyoncé“, für 22; „Manic“, 17 Produzenten; „Joanne“ hatte fünf Musikproduzenten und zwei Führungskräfte; und „Folklore“, 2 Produzenten.

Es scheint, als würden bei dieser Art von Musik viele Leute zusammenarbeiten, aber zwei Köpfe sind besser als einer. Schon 23 Köpfe, ich brauche nicht einmal einen Kommentar abzugeben! So „einfach“ das Lied beim ersten Hören auch erscheinen mag, es ist sorgfältig durchdacht, um das erwartete Ergebnis zu erzielen.



Aber entfernt sich eine Produktion in diesem Zusammenhang nicht von der ursprünglichen Idee einer organischeren Musik? Die Antwort ist NEIN Es ist vielleicht! Für uns Zuhörer, NEIN. Wir haben den Überblick, wissen, was wir hören und höchstens, was die Künstler in Interviews liefern. Das Ergebnis ist da, authentisch oder geplant, es ist da und man kann es spüren. Für diejenigen, die am Erstellungsprozess beteiligt sind: vielleicht. Wir werden nie den wahren Kontext der Musikproduktion in einem Studio erfahren.

Die Fragen, die Sie sich stellen sollten, sind:

  1. Wo bleibt die Individualität des Künstlers, dessen Name auf dem Album hervorsticht, wenn so viele andere Individualitäten im Spiel sind?
  2. Und warum sind viele Künstler diesen Weg gegangen?

Ich habe oben bereits einige Tipps gegeben, Sie sollten diese also bereits vorhersagen können. Aber ich erkläre es besser:

Marketing und Popmusik Mainstream

Die Veränderungen in der Art und Weise, Marketing zu betreiben, die sich von der Marktanalyse bis hin zur Beziehung zu internationalen Popmusikkonsumenten bemerkbar machen, sind der wichtigste Wendepunkt für diese Art der Wahl.

In den letzten Jahren ist ein Wandel in der Suche der Menschen zu beobachten: Sie wollen nicht mehr nur den Wert spüren, was Musik oder welches Produkt auch immer ihr Leben zu bieten hat, sondern wie ihre Erfahrungen damit sein werden . . Sie wollen sich von Mensch zu Mensch identifizieren und in einem noch nie dagewesenen Ausmaß verbinden.

Dies ist wahrscheinlich auf veränderte Lebensgewohnheiten zurückzuführen. Mit der Technologie wird alles einfacher und schneller – von der Dynamik in menschlichen Beziehungen über Dating-Apps bis hin zum Musikhören – aber im Großen und Ganzen lässt diese Leichtigkeit auch alles oberflächlich und fast wertlos erscheinen (im Allgemeinen wird nicht erkannt, was einfach ist). . Hier kommt das Bedürfnis nach Akzeptanz ins Spiel, nach einer Vertiefung, nach Aufrichtigkeit jenseits der Ekstase, als eine Form der Kompensation.

Gibt es etwas Aufrichtigeres als ein Lied über eine reale Situation oder ein reales Gefühl, geschrieben von einem unabhängigen Komponisten auf seiner Gitarre in seinem eigenen Zimmer? Wie viele Eingriffe werden in diese Art von Musik vorgenommen, um sie authentischer zu machen? Vielleicht keine.



Dieser Richtungswechsel wirkte sich auch auf das Marketing großer Unternehmen aus – entspannte Sprache, Interaktion mit der Öffentlichkeit, der Einsatz von Emojis, um Emotionen auszudrücken, als ob das Unternehmen eine natürliche Person wäre, die mit uns interagiert. Wir sehen starke Beispiele für diese Art von Beziehung in den sozialen Medien, im Support und in der E-Mail-Kommunikation von NuBank und Netflix. Und um Ihnen eine Vorstellung zu geben: Dies war eine so große öffentliche Wahrnehmung des Bedarfs, dass die Website des Rathauses von Curitiba selbst vor einigen Jahren stark von dieser Kommunikations- und Positionierungsstrategie Gebrauch machte.

In der internationalen Popmusik brachten mehrere Indie-Künstler inhärente Ideen, Instrumente, Kompositionen und kreative Prozesse ein, um den vom Publikum unbewusst gewünschten Ton der Humanisierung zu vermitteln. Und viele von ihnen waren schwer enttäuscht, als ihnen klar wurde, dass in einer so großen Branche die Logik eines Konzerns gilt: Der Raum wird zum großen Studio, die Musik auf der Gitarre folgt genau dem Weg, den lange Marktforschungen nachzeichnen und die reale Situation oder das reale Gefühl wird zu einer gewinnorientierten Strategie.

Die visuellen Alben selbst, die nach „Beyoncé“ mit einem Paukenschlag zurückkamen, sind eine Reaktion auf das Bedürfnis des Publikums nach immersiven Erlebnissen und tiefen Verbindungen. Und obwohl das alles kalt erscheint, ist es auch fantastisch:

Einerseits die seit Jahrzehnten bestehende und ständig stattfindende Manipulation unserer Kaufneigung; Auf der anderen Seite geht es darum, einer in uns unterdrückten Nachfrage nach schöner Musik und Videoclips gerecht zu werden und den audiovisuellen Markt zu fördern – immer wieder sehen Künstler aller Größen den Bedarf an einem guten Videoclip, um die Märkte zu bedienen, und das hatte Auswirkungen auf Musik selbst brasilianische Pop- und audiovisuelle Produzenten (sehen Sie sich die Qualität nationaler Musikvideos an, die in den letzten Jahren veröffentlicht wurden).

Für uns unabhängige Musiker im Kapitalsystem gilt: Entweder wir leben die Utopie in kleinen Bars oder wir akzeptieren, Teil dieses Schachspiels zu sein und nach etwas Größerem zu suchen. Aber ohne die Hoffnung zu verlieren und ohne aufzuhören, dafür zu kämpfen, vor allem weil Vielen Indie-Künstlern ist es gelungen, Zufriedenheit und Massenverbreitung ihrer Werke zu vereinen während ihrer Karriere.

Das ist alles, unabhängig von den Auswahlmöglichkeiten im hinter den Kulissen (und solange der Künstler akzeptiert, Teil davon zu sein, ohne sich verfügbar zu fühlen), wir hören immer noch gerne Musik, die natürlicher, mutiger, ungewöhnlicher und kreativer wirkt. Und Sie können auch Plastik-/Farofa-Musik verschicken! Am Ende ist Musik Musik. 💖

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